domingo, 13 de marzo de 2011
SEGUNDO PLANTEAMIENTO SOBRE EDUCACIÓN ARÍSTICA.
La educación artística actual es hija de su época.
Actualmente estamos en una sociedad con muchos cambios, con lo que debemos de plantearnos una educación al unísono con ésta. Por ejemplo, la intrusión de las nuevas tecnologías en la sociedad, se debe reflejar el la educación artística.
En la educación artística tenemos que tener en cuenta:
El profesor es una especie de director-intérprete de un guión que no ha escrito él solo.
El arte se enseña para hacer comprender a los alumnos los mundos sociales y culturales (arte para educar).
Hay que abandonar la idea de gran currículo uniforme y homogeneizador sustituirlo por una particularización, convertida en muchos currículos.
Si nos centramos en los contenidos de la educación artística, creo que los éstos no tienen porque venir dado directamente por expertos, sino que el conocimiento debe ser construido por el profesorado y los alumnos.
No existe una sola manera de organizar el conocimiento en la educación artística. Esta educación debe ser abierta, para que el alumno establezca unos vínculos con otras disciplinas, conocimientos o vida personal. Como hemos dicho antes, la sociedad de hoy está influenciada por los mass-media y con un importante avance tecnológico, con lo que la educación artística debe de comprometerse con las imágenes y las nuevas tecnologías, utilizando un análisis cultural.
Creo, que el objetivo principal de la educación artística es que el alumno llegue a tener una actitud hacia las manifestaciones artísticas y su papel en su vida.
EVALUACIÓN CRÍTICA SOBRE LA PRÁCTIDA DEL DESARROLLO DE LA UNIDAD DIDÁCTICA SOBRE LA HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.
La práctica realizada en clase me ha parecido idónea por varias cuestiones. La primera es que personalmente, no tenía mucha idea de cómo había evolucionado la educación artística a lo largo de la historia y ahora ya tengo una leve idea sobre esa evolución. También me han parecido muy interesante las diferentes formas de afrontar un mismo tema, que han tenido los diferentes grupos (diferentes metodologías).
Grupo nº 2. La primera mitad del siglo XX.
Rocio.
Vicky.
Mercedes.
Paula.
Margarita.
Armando.
Lo primero que hicimos cuando nos dijeron lo que teníamos que hacer fue ver que contenidos eran los más importantes a la hora de desarrollar la clase. Nos subdividimos los contenidos, pero pusimos una metodología en común para todos los componentes. Intentamos evitar la clase magistral e promover una metodología activa, participativa e integradora.
Propusimos actividades de motivación, mediante preguntas a los alumnos y pequeños debates; actividades de tipo expositivas con imágenes, diapositivas y videos y para terminar una actividad en grupo con ejemplos de lo expuesto.
Creo que la clase fue amena, que los alumnos aprendieron conceptos y fueron participativos.
Con respecto a los demás grupos, puedo decir:
Grupo nº 1. Bloque 1. Personalmente, este es el bloque más aburrido para mí. La exposición la realizaron con unos esquemas bastantes interesantes y buenos, pero creo que fue un poco clase magistral. No hubo interacción entre el alumnado y las profesoras.
Grupo nº 3. Bloque 3. La metodología usada por este grupo me pareció muy interesante, ya que motivaron a los alumnos y utilizaron recursos actuales, como videos e imágenes.
Grupo nº 4. Bloque 2. Se crearon pequeños debates y también se realizaron actividades sobre los contenidos explicados.
MARÍN, R. Y OTROS. DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.
Los métodos para el aprendizaje de la educación artística, han cambiado a lo largo de los años, como han ido cambiando a su vez la sociedad en general.
Así, podemos diferenciar varias etapas en la historia de la educación artística:
El dibujo forma parte de las disciplinas que se enseñaban en la escuela: la de leer y escribir, la gimnástica, la música y, en cuarto lugar el dibujo.
Edad Media.
El conocimiento y el aprendizaje del arte se daban en los talleres de trabajo (pintura, escultura, orfebrería, etc). El aprendizaje estaba centrado en los materiales empleados y en técnicas.
Del Renacimiento al Romanticismo.
En esta etapa se crean escuelas y academias de dibujo. El programa de estudios estaba organizado alrededor de la enseñanza del dibujo. Se empezaba con la copia de dibujos, láminas y otras obras, terminando con el dibujo al natural.
Siglo XIX.
El dibujo se incluyó como materia obligatoria tanto para la escuela primaria como secundaria. El dibujo aquí se desdobla en dos vertientes: la artística y la técnica.
Durante la primera mitad de siglo, la educación artística estuvo marcada por las obras de algunos pedagogos, así como por la elaboración de los primeros manuales y cartillas escolares de dibujo. Ej: Pestalozzi : publica el primer manual de Educación Artística para la infancia. Froebel, también aportó un material didáctico para la Educación Artística
Durante la segunda mitad de siglo, se desarrollaron métodos y manuales de dibujo basados en la copia de láminas.
Siglo XX.
A principios de siglo, el dibujo infantil deja de verse como simples garabatos y se empiezan a ver como arte:
- Se considera la manifestación genuina y propia que tiene el niño de entender el mundo.
- Se dio gracias a las innovaciones de los cuadros y dibujos de los movimientos artísticos de las vanguardias.
- Retorno a los principios del arte. Las imágenes y objetos de otras culturas cobran mucha importancia.
Cizet, se interesó estudió el arte infantil. Abrió una escuela de arte infantil.
En la segunda mitad de siglo, se dan diferentes enfoques sobre educación artística:
Autoexpresión creativa. La novedad estaba en que la importancia no estaba en los contenidos, sino en la persona que se estaba formando. A través del arte se aprendía a ser persona. Se evitaba la copia de modelos o de láminas y se potenciaba la creatividad como objetivo principal del aprendizaje.
La consolidación institucional: INSEA. Es la organización internacional más importante de educación artística. Las dos recomendaciones básicas de la organización eran la obligatoriedad de la educación artística en el currículo de la escuela primaria y la libre expresión como método más adecuado de enseñanza.
El lenguaje visual como modo de conocimiento. La percepción visual es un proceso cognitivo activo y complejo. Dibujar, pintar y confeccionar no tiene que ver únicamente con la expresión de emociones y conocimientos, sino que constituye una forma de pensamiento.
ARTHUR DANTO. EL FINAL DEL ARTE
Arthur Danto : crítico de arte. Su tesis nos habla sobre la supuesta “muerte del arte”, en el contexto de su estética.
¿El arte tiene futuro?
El futuro es una especie de espejo que sólo puede mostrar nuestro propio reflejo. Podemos imaginar que pueden ocurrir miles de cosas, pero cuando nos ponemos a imaginar, sólo contamos con las cosas que conocemos.
El fin de la Edad del Arte, lo compara muy bien Joaquin de Fiore con lo que ocurrió con los judíos: seguirían existiendo judíos, pero sus formas de vidas evolucionarían de manera impredecible.
Hoy día, El mundo del arte parece haber perdido el rumbo histórico, y nos preguntamos si se trata de algo temporal o por el contrario, el arte retomará el camino de la historia. Nuestros museos, galerías, coleccionistas, etc; creen que el arte tendrá un futuro brillante y significativo, pero no podemos saberlo.
Los mejores ejemplos del modelo lineal o progresivo de la historia del arte se encuentran en la pintura y la escultura, y posteriormente en las películas. En el momento en que pudiera generarse técnicamente un equivalente para cada modalidad perceptiva, el arte habría llegado a su fin.
¿Por qué se pregunta Dante si el arte tiene futuro? Tiene profundas implicaciones filosóficas relacionadas entre el modo en que definimos arte y el modo en que concebimos la historia del arte. Dante nos dice que si queremos pensar que el arte tiene un fin, no sólo necesitamos una concepción lineal de la historia del arte, sino también una teoría del arte general para incluir otras representaciones además de las que ejemplifica la pintura ilusionista, como por ejemplo representaciones literarias o musicales.
No es que vaya a llegar el fin del arte, sino que no sabemos que camino va a tomar. Estamos en un punto en el que todo vale, todo con una intención puede pasar por arte, siempre que haya alguien que valore a éste.
GEERTZ, CLIFFORD. EL ARTE COMO SISTEMA CULTURAL
Todo el mundo quiere entender el arte àEl arte debe expresarse por si sólo y los demás deben de guardar silencio; pero casi nadie guarda silencio, excepto los verdaderamente indiferentes.
Toda reflexión del arte que no sea simplemente técnica o espiritual, pretende situar al arte en el contexto de esas otras expresiones de la iniciativa humana. Por eso decimos que a los objetos de arte siempre se le atribuyen una significación cultural. El arte no significa lo mismo aquí en Sevilla que en Japón; no sólo por la situación geográfica, sino por las diferentes culturas, formas de pensar, religiones, etc.
El interés por el arte, a una persona le puede venir dado por el vínculo a una profesión, por placer, por alguna noción cultural o incluso por sensibilidad.
Según Baxandall; una pintura antigua es un registro de una actividad visual que uno ha aprendido a leer, como se aprende a leer un texto de una cultura diferente.
Con esta cita leída en el texto, podemos decir que para comprender una obra de arte, pertenezca a cualquier época y a cualquier lugar de la geografía mundial, debemos de conocer las cuestiones culturales en que se basan. Por ejemplo, los pintores del quattrocento, estaban educados de tal forma que conocían las técnicas de medición en el comercio y las danzas cortesanas y éstos conocimientos se veían reflejados en sus pinturas.
El espectador necesita un objeto lo bastante rico para reflejarse en él, lo bastante rico, para, una vez se haya visto reflejado, profundizar en él y como hemos dicho antes, mediante el estudio de la cultura en que se encuentra enclavado ese objeto.
El arte y las aptitudes para comprenderlo se confeccionan en un mismo taller.
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